Diretrizes Básicas de coreografia para Ballet

Quando você decidir para coreografar suas próprias danças de balé, você tem total liberdade de expressão para a sua coreografia. E isso é como deve ser. Mas os artistas de todos os tipos descobriram que eles florescem melhor quando se submeter voluntariamente a certas limitações. A série de gestos de balé, por exemplo, é uma "limitação" que de alguma forma define a imaginação dos grandes coreógrafos de ballet livre.

As idéias das seções a seguir, abatidos a partir de séculos de grande coreografia, dar-lhe um quadro para a sua liberdade, um veículo para sua própria visão artística. Todas as formas de expressão são válidos - mas essas idéias podem ajudar você a começar com sucesso.

Encontrando sua inspiração - música ou tema

O que faz um coreógrafo quer criar uma dança particular, em primeiro lugar? A maioria dos coreógrafos dizer que eles são geralmente inspirado por uma de duas coisas: a música ou o tema.

Quando você ouvir uma determinada peça de música, você está varrido em um turbilhão de êxtase? Não cores e formas e movimentos sugerem-se imediatamente para você? Você está perdido no tempo e no espaço? Se assim for, sabemos que um bom médico que pode ajudar. Mas se assim não for, a peça soa como um bom candidato para a coreografia.

Se há uma regra básica da coreografia, é esta: Os gestos devem de alguma forma refletem a música. O que diferencia os coreógrafos sucesso diferencia é que os seus gestos incorporam a música muito bem, como se cada frase musical foi escrito só para eles.

Um exemplo a maioria das pessoas pode visualizar é a dança da fada da ameixa do açúcar de o Quebra-Nozes. Como o celesta começa a tocar seus tons tinkly, bailarina dança, delicados pequenos passos ágeis, parecendo voam pelo palco. Apesar de diferentes coreógrafos pode ter definido diferentes etapas para esta música ao longo dos anos, quase todos eles têm tentado criar algo adequadamente delicado.

Você pode gostar de saber que no mundo profissional, cada minuto de dança no palco é o resultado de cerca de duas horas de coreografia e ensaio. Mas hey, não deixe que isso te parar.

Outra forma de inspiração é a necessidade de contar uma história. Contar histórias é um dos nossos passatempos mais antigos, e dançar sempre vêm a calhar para essa finalidade. Será que uma certa história gritar para você, apenas precisando para ser expresso de alguma forma? Então por que não que a base para uma dança fazer?

Ao contar uma história em dança, primeiro decidir se deseja criar uma narrativa simples do começo ao fim, ou algo mais complexo.

Digamos, por exemplo, que seu tema é a história de Hansel e Gretel. Basta pensar em todas as maneiras que você poderia contar essa história. Você pode optar por uma abordagem linear, mostrando Hansel e Gretel vagando pela floresta, deixando cair migalhas de pão, se perder, acontecendo em cima de uma casa de doces, e se engordados. Ou você poderia começar no final da história, com as crianças pulando sem fôlego no palco para dizer o que eles apenas experimentou.

Ou, sua dança poderia simplesmente se concentrar em caráter em um ponto em uma história. Como é que a bruxa má sente quando as crianças cozer-la viva? Talvez ela poderia fazer uma dança interpretativa para nos informar. Esta expressão de um instante no tempo, encurtado para fora para mostrar o peso emocional que ele contém, é a base para 99 por cento de todos os poemas, árias de ópera e canções populares - e ele funciona para a dança também.

Saber como você deseja que a coreografia de olhar

Grandes coreógrafos quase sempre falar sobre sua "visão" de seu trabalho. Coreógrafos estão orgulhosos de suas visões e vai falar sobre eles até que você pedir-lhes para parar.

Literalmente, coreógrafos criar uma imagem da dança em suas mentes antes de atacar o âmago da questão da coreografia. Querendo ou não eles encaram os passos reais no início, eles podem imaginar o "look" global da peça. De lá, eles podem começar a escolher as medidas que melhor se encaixam nessa visão.

A visão pode incluir trajes, SET e projetos de iluminação - embora no mundo profissional, os designers especiais são contratados à carne para fora os detalhes desta parte da visão.

Trabalhando a partir desta visão interna, coreógrafos, em seguida, escrever as suas ideias usando notação de dança - ou simplesmente dançar-se em fita de vídeo.

Desenvolver um vocabulário para a dança

O mesmo passo de base pode ser dançada de muitas maneiras diferentes. Então, quando você coreografar uma peça, você tem um número quase infinito de passos para escolher. o vocabulário da dança refere-se aos gestos e movimentos específicos que você escolher de usar - os que parecem refletir o seu próprio personagem e fazer o seu estilo pessoal.

A ordem em que você colocar os passos é importante, também. Os passos devem parecem fluir de um para o outro. Por exemplo, uma arabesco parece ser bom quando seguido por um failli. Mas parece ruim seguido de um backflip. Você apenas sente essas coisas.

Depois de começar a experimentar com várias sequências, é provável que você encontrar alguns que se sente apenas para a direita para você. Quando isso acontece, você pode repetir essas sequências repetidas vezes - criando assim um vocabulário que você pode chamar de seu. George Balanchine, por exemplo, era famoso por seguir um saut dentro arabesco com um jet. Essa era a sua marca registrada - como Bob Fosse feito um nome para si mesmo com chapéus-coco e virou-in pernas (também conhecidos como dedos de pombos - pense Cabaré).

Usando o seu espaço de dança completa

Aqui está outra regra útil para coreografar o seu próprio trabalho: Use o valor total do espaço que está disponível. Ao final da dança, cada área do palco deveria ter sido pisado pelo menos uma vez.

Você deve mesmo considerar o uso de áreas não-tradicionais - onde você nunca pensaria de dançar. Escadarias, corredores, grades, e outros níveis de piso vêm à mente. (Ou poças - como Gene Kelly descoberto em Singin 'in the Rain). O inesperado é o mais frequentemente, onde se encontra a inspiração.

Ao cobrir o seu espaço, sugerimos variando a forma de sua dança. Se você começar com um movimento em uma diagonal- seguida, tente adicionar um padrão circular mais tarde. Ou vice-versa. Esticar a sua imaginação - e manter o público em seus dedos.

Acabar com a dança como você começou

Uma maneira de fazer uma dança sinto artisticamente toda é "um círculo completo." E uma maneira de fazer isso é começar e terminar a dança com a mesma pose.

Uma versão ainda mais avançada desta técnica é para terminar em um pouco "evoluiu" versão da posição inicial. Por exemplo, se a dança é um dueto, considerar a mudança das partes, no final, de modo que a mulher acaba como o homem começou, e vice-versa.

Esta técnica dá a dança uma sensação de conclusão, e às vezes pode ser bastante pungente e comovente. Quem sabe - você pode ter o seu público em lágrimas. Em um bom caminho.